imagerie

Les œuvres de Laurent Millet sont souvent le fruit de dispositifs associant plusieurs étapes : d’abord le dessin, la sculpture ou l’installation, puis le passage à la photographie pour produire une image. Au sein de ce processus, le rapport aux sciences occupe une place importante, à la fois en tant que sujet des œuvres (la géométrie d’Euclide, les dessins de polyèdres de l’orfèvre allemand Wenzel Jamnitzer, etc.), mais aussi comme moteur de création. En effet, la figure du scientifique – qui formule des hypothèses, expérimente, multiplie les recherches – lui sert de modèle pour penser l’élaboration de ses propres formes.

Son œuvre Cyanomètre s’inspire d’un instrument inventé par le physicien et naturaliste genevois Horace-Benedict de Saussure à partir de 1787, mis au point afin de mesurer le bleu du ciel. Grâce à ce nuancier représentant différentes teintes de bleu, il observait les variations de densité du ciel en fonction de l’altitude : en haut du Mont-Blanc, à Chamonix ou à Genève. Laurent Millet reprend ce principe en remplaçant l’encre bleue utilisée par le physicien par le bleu du cyanotype, dont les conditions d’apparition sont liées à la lumière. Il associe à ces monochromes bleus des images noir et blanc montrant le main qui trace des ellipses, faisant un lien entre le soleil, la représentation de ses mouvements et l’observation du ciel.

Depuis plusieurs années, Sébastien Reuzé mène une recherche sur les usages de la photographie, sur les possibilités offertes par les techniques de développement, ainsi que sur la couleur. Ce travail lui permet d’explorer les potentiels du tirage argentique, qu’il cherche à rendre unique grâce à une succession de manipulations en chambre noire, à rebours de l’idée d’un négatif reproductible à l’identique et à l’infini. À partir de 2016, il initie une série sur les représentations du coucher de soleil, qu’il photographie et isole de son environnement, au point de plonger l’astre lumineux dans une ambiance vaporeuse et difficile à localiser, quasiment imaginaire. Il s’intéresse alors à la répétition de ce motif, dont il multiplie les prises de vue et qu’il tente d’épuiser à force de le reproduire.

Alors qu’il séjourne à Los Angeles, il décide de se concentrer uniquement sur le soleil, laissant de côté immeubles, voitures et palmiers. Celui-ci devient le seul élément clairement reconnaissable des images, tout en étant central dans la composition : un disque blanc au milieu d’un ciel invariablement jaune. Dans ses vues frontales de grand format, Sébastien Reuzé crée un face-à-face qui renvoie, à travers leurs couleurs chaudes et séduisantes, à l’éblouissement que provoque Los Angeles dans l’imaginaire, ville imprégnée du culte du soleil. Il pointe dans le même temps la fascination qu’exerce le soleil dans la culture populaire, ainsi que sa récupération par les codes de la communication qui en font un symbole d’exotisme et d’extase.

Artiste et réalisateur expérimental, Jérôme Cognet explore depuis plusieurs années dans ses films la question du montage, à travers le réemploi de matériaux cinématographiques préexistants. Décontextualisant et assemblant des scènes tirées de différents films réalisés par d’autres, il insiste sur la répétition de motifs qui reviennent inlassablement à l’écran. Il effectue alors un geste double : celui de récupérer des images puis de les transformer en les combinant, leur donnant par la même occasion un sens nouveau.

Son film Le Soleil tout entier ne se trouve nulle part fait référence à une nouvelle d’Isaac Asimov, publiée en 1941, « Quand les ténèbres viendront ». Dans ce texte, l’écrivain américain de science-fiction imagine une planète entourée de six soleils, de telle manière qu’il n’y fait jamais nuit car l’un de ces soleils est toujours présent quelque part dans le ciel. Lors d’une éclipse qui n’a lieu que tous les 2000 ans et qui entraîne la disparition temporaire de l’unique soleil visible à ce moment-là, la population apeurée en raison de la nuit noire décide de brûler toutes les villes pour faire de la lumière. Le montage du film de Jérôme Cognet reproduit la baisse de luminosité inquiétante décrite dans la nouvelle d’Isaac Asimov. Organisés selon les variations colorimétriques du ciel, les extraits qu’il a choisis sont des plans de films desquels il a retiré toute présence humaine en post-production. Seul reste le soleil étincelant, omniprésent à l’écran.

Dans une approche qui relève autant du geste plastique que du documentaire, Juliette Alhmah cherche à croiser récits intimes, grande Histoire et fictions, afin de créer des narrations inscrites dans l’espace parfois flou entre rêves et souvenirs. S’inspirant du projet « Znamia » développé dans les années 1990 dans le but de canaliser la lumière du soleil grâce à de grands réflecteurs en orbite autour de la Terre pour éclairer les villes de l’Arctique russe, sa série « Toujours Diane » imagine un monde dans lequel le soleil ne se couche jamais. Mêlant images tirées des archives spatiales de la bibliothèque de l’Observatoire de Paris, des photographies d’œil souffrant de la lumière ou du manque de sommeil, mais aussi des images prises grâce à une pellicule dépourvue de couche anti-halo, cette série décrit de manière allégorique un monde où le sommeil n’est plus possible.

Présentée ici, sa série « Salted Love » constitue aussi une recherche sur la lumière et le soleil comme ressort narratif. Il s’agit dans cette dernière de donner forme aux questions d’aveuglement, d’éphémère, de la perte de l’image et du souvenir, en réalisant des portraits tirés sur papier salé, stabilisés mais non fixés. Encore sensibles à lumière, les portraits s’effacent au fur et à mesure de l’exposition. Donnant à voir des images mouvantes, jamais définitives, qui disparaissent au fil des jours, la série « Salted Love » rassemble des portraits de personnes insaisissables, invariablement de dos, illustrant l’intérêt de Juliette Alhmah pour la représentation de l’amour, de la rupture amoureuse, du deuil et de la perte.

Depuis 2020, Charles Villa a entamé une recherche intitulée « Image bleue », explorant le phénomène de décoloration des images imprimées par le soleil. Ce projet prend plusieurs formes, à commencer par la collecte de centaines d’images prises dans la rue ou dans des vitrines de magasins, décolorées par l’exposition à la lumière solaire jusqu’au bleuissement. Celles-ci sont ensuite inventoriées et classées dans différentes catégories : affiches publicitaires, affiches de salon de coiffure, affiches électorales, reproductions de peinture, menus de restaurant, signalétique, etc. Elles montrent à la fois l’action du soleil comme agent de disparition des images, mais aussi comme révélateur de nouvelles images, uniformément bleues.

Pour un autre volet du projet, il a travaillé avec un laboratoire situé dans la banlieue de Phoenix, en Arizona. Installé dans le désert le plus chaud et au taux d’ensoleillement le plus élevé au monde, ce laboratoire teste la résistance à la lumière de différents matériaux et objets produits par l’industrie. Charles Villa y a placé dans des vitrines des cartes postales anciennes représentant des bouquets de fleurs, qui se sont lentement décolorées, à l’exception de bandes latérales là où les cartes postales étaient maintenues à plat. Après neuf mois d’exposition au soleil, toutes les couleurs ont disparu. La matière bleue de l’image apparaît alors, au moment où les images finissent par s’effacer à force d’être éclairées par le soleil.